Días antes de acudir al concierto de Bryan Adams escucho en el Podcast de Roczkone que citan el show del canadiense como gira destacada de la semana. No sé si es Jordi Meya o Richard Royuela el que señala que el amigo Adams lleva como veinte años haciendo más o menos el mismo concierto, sin variaciones en setlist. Lo hacen como crítica constructiva para admitir a continuación que el caso es que le funciona. De maravilla además. Podría seguir la senda que en su día hicieron Pearl Jam, Black Crowes o Bruce Springsteen y arriesgar mucho más en el setlist pero ha optado por el camino más fácil. Es lo que hay. Lo tomas o lo dejas. Yo lo tomé de nuevo y me lo pasé muy bien. Además fiel a mi nueva vida alejada de redes sociales y demás zarandajas acudo sin tener ni idea de que canciones suele tocar. El factor sorpresa juega a mi favor.
Ayer fue la cuarta vez que veía a Bryan Adams y sin duda la más especial porque iba acompañado de la family al completo y unos cuantos buenos amigos. El show comenzó en un pequeño escenario situado en el lado opuesto del principal. Allí fue Bryan para abrir el show con Can't Stop This Thing We Started, uno de los temas favoritos de mucha gente (no es mi caso). La prefiero en acústico, eso si. Sorprendentemente sigue con Straight From the Heart, de esa no me canso jamás. Pensaba que el set acústico iba a ser más largo e incluiría temas de su estimable último álbum How's It Goin' pero sorprendentemente Bryan va corriendo hacia el escenario principal y empieza su set eléctrico. Guapo, en forma y canta bien. Encima no le dolerán ni las rodillas al cabrón.
Ninguna pega en lo que aconteció a partir de ese momento. Mis momentos favoritos coinciden con esos temas que jamás me canso de escuchar: Run To You, Somebody, Kids Wanna Rock, It´s Only Love, Heaven... Es decir el Recklees en vena. También disfruto de canciones muy efectivas como 18 til I Die y me gustan y aprecio The Ballad of Terry Fox, Lake Ontario y 51st State. Tal vez tengan unas letras muy ingenuas y bienintencionadas pero prefiero un millón de veces esos mensajes que los que lanzan a diario todos los hijoputas sueltos que pululan y que encima mandan en algunos países. Parece que esta de moda ser un cabrón redomado y Bryan se muestra como un tipo sencillo y cabal. Así que en su barco.
La sorpresa mayúscula del show y mi momento fan total de perder la chaveta viene con Heat Of The Night del nunca suficientemente reivindicado Into The Fire. En ella Bryan se hace cargo del bajo (como en muchas otras canciones del set) y suena deliciosamente atropellada y contundente. Adoro esa canción y me alegra la hostia haberla disfrutado en directo. También la gozo con You Belong to Me en la que en la parte final intercala Blue Suede Shoes, también se arranca con Twist and Shout, vuelo alto con Cut´s Like a Knife y The Only Thing That Looks Good on Me Is You. Por descontado un concierto con los comentarios técnicos vocales de Maiaki y guitarrísticos de Unax es un plus mega extra.Otra gran noche con Bryan despidiéndose en formato acústico con All For Love. También mola en esa tesitura. La voz del colega sigue en muy buena forma y Keith Scott sigue siendo un escudero de lujo. Que vuelva el año que viene por Bilbo. Con los brazos abiertos.
La semana pasada fue la de Queens Of The Stone Age. El viernes publicaron su nuevo disco, Perfecth, el noveno de su carrera y anunciaron gira por estos lares. Van a tocar en Bilbao. Al ladito de casa. Ni de coña pensaba que las entradas se iban a agotar tan rápido. De hecho ni intenté conseguirlas. Estaba en el curro y el WhatsApp empezó a echar humo, ja, ja. Los tickets de pista valen 77 lereles que tal y como está el precio de las entradas es hasta razonable y los hubiese pagado pero es que no me gusta pillar con tanta antelación salvo alguna excepción. Todavía confío en que todo este tinglado forme parte de la estrategia capitalista y cuando se acerque el concierto saquen más tickets. Veremos.
Su nuevo lanzamiento, Perfecth ha estado rodeado de polémica. Me entero por el Podcast de Rockzone que la crítica de Gonzalo Puebla en ese medio se ha hecho viral. Como las únicas redes que frecuento últimamente son las marinas no me había percatado. En ese podcast hay un interesante debate sobre el disco, más o menos desde el minuto 47. Dura algo más de media hora y en él se esgrimen interesantes y divertidos argumentos. El disco me ha gustado. Cada vez que lo escucho un poco más. Son apenas treinta y seis minutos que entran de maravilla. No le pongo ninguna pega. Se que hay muchos seguidores esperando los riffs monolíticos y la vertiente más áspera de la banda. No es mi caso. Disfruto cada vez más de las nuevas variantes en su música. Y tengo en el mismo pedestal a Songs For The Deaf que Like a Clorkwork. Los dos excelentes y muy diferentes.
Sigo con los halagos que me he venido arriba. No sé si hay una banda en los últimos veinticinco años que me guste más que Queens Of The Stone Age. Su trayectoria es ejemplar. No tienen disco flojo y Perfecth tal vez no sea su mejor rodaja pero está muy requetebien y barrunto que crecerá con el tiempo. Algunos de los reproches que ha recibido tienen que ver con que es un álbum hecho de descartes, con tomas procedentes de otras épocas. Ese es un asunto que me la chufa. Ya me sucedió cuando Van Halen editaron A Different Kind Of Truth... Si las canciones son buenas como si las tenían guardadas en un cajón lleno de polvo en los estudios del Rancho de La Luna, lo importante es como las presentan al público hoy en día y si tienen sustancia. Un Si enorme a ambas cuestiones.
El álbum viene precedido por el documental Alive in The Catacombs en el que daban rienda suelta a su faceta acústica donde son capaces de brillar a la misma altura que cuando inundan los surcos de sus conocidos riff robóticos. Se podía esperar que indagasen en esa faceta con más brío, tal vez no lo han hecho en la medida esperada pero lo que han armado tiene mucho poso y peso. Como he apuntado el disco crece con las escuchas. Mi primera impresión no fue excesivamente entusiasta. Como me ocurre a menudo con los discos que vienen para quedarse las consecutivas experiencias fueron más que satisfactorias. Así que me dejo llevar muy a gusto por una banda en estado de gracia que sabe armar canciones con enorme potencial comercial y que vuela libre sin ataduras de ningún tipo.
Me chiflan las canciones con suntuosos arreglos de cuerda y con Homme más que cómodo jugando a ser Bowie. Le sienta fenomenal. Adoro el inicio con It´s OnlyLove de la que al parecer debe haber alguna toma cantada por Mark Lanegan de las sesiones de Songs For The Deaf. En este primer tema ya brillan con luz propia violines y cello en el marco de una percusión a ratos machacona y en otros sutil. Dejan el terreno preparado para Insignificant Other que desde la primera escucha me cautiva por varias razones. La principal ese sonidazo del bajo a cargo de Michael Shuman pero también la interpretación vocal de Homme dando rienda suelta sin rubor a su falsete y los coros en los que participa el propio Shuman. Los punteos finales de la guitarra son oro puro. Menos es mas. Nada espectacular pero puestos con mucho gusto. Me encanta como se va desvaneciendo el tema.
Where The Goth Girl At? comienza fuerte, suena poderosa y trotona en los bafles. Se mueve por territorios sonoros mil veces transitados con la habitual solvencia. Esa mezcla entre la contundencia y unos locos arreglos de cuerda funciona. En Mono exploran tesituras diferentes con brío y una solvencia maravillosa. De mis favoritas desde el comienzo con esa batería y bajo marcando un territorio en el que luzca de nuevo la voz de Homme. Puede sonar a locura pero la imagino en el universo Waits. Ese ese tipo de experimentación que sólo se sostiene si la canción es buena y esta lo es un rato largo. Aquí los arreglos de cuerda hacia el final brillan de forma más clara. Se distinguen mejor el cello de Richard Dodd y los violines de Eric Gorfain y Daphne Chen. From the Cliff es una pequeña joya acústica. Sencilla a más no poder pero indudablemente encantadora con un mellotron por ahí saliendo a flote. De nuevo un final la mar de hipnótico.
A la nueva imagen de bollito total que se gasta Homme le va que ni pintada la recuperación de Sunday, canción incluida en aquel destacable Post Pop Depression que Josh produjo a Iggy Pop. Buen momento para la pista de baile y la diversión. Apuesto a que funciona a la perfección en directo donde no se si contarán con los jugosos coros de Bridget Barkan, Amber Martin y Jake Shears. En Easy Street que adelantaron hace unos meses figura Nikki Lane en los coros y su presencia se nota para bien. La primera vez que la escuché no me enganchó demasiado pero hoy en día me encanta. Las palmas y el sintetizador de Dean Fertita le dan un toque muy molón. De nuevo el grueso bajo de Michael Shuman marca un poderoso inicio en Phantom Limb que avanza hacia terrenos acústicos con el perfecto entendimiento entre Homme y Troy Van Leeuwen y unos cuantos detalles sonoros a prestar atención. Run Away From The Mob es la última canción y tal vez con la que de momento menos conecto. Un final un tanto abrupto que no empaña todo lo anterior. En mi equipo de música siempre.
¿Aires nuevos en Estados Unidos? ¿Es tan bonito como parece lo que ha sucedido en las elecciones yanquis o no es más que una operación cosmética con mucho flow pero poco contenido? ¿Mejorará la vida de sus ciudadanos? ¿Cambiará la política exterior de la otrora primera potencia mundial? Juas. Ojalá que si pero no soy ni tan optimista ni puede que tan ingenuo. Cualquier cosa mejor que el Risketo chungo. Reconozco que me va mucho leer sobre la política en USA porque es todo espectáculo, marketing y oropel. Y no deja de ser curioso quiénes han sido los grandes vencedores en distintos Estados. Ni elegidos en un casting para representar a priori lo que más le asquea al Risketo. Hoy es un buen día para hacer tronar a todo trapo Easy as It Seems, tema de los Mavericks compuesto por Raul Malo para el disco Brand New Day. En él aborda ciertos temas sociopolíticos siempre presentes en la vida cotidiana. El que no baile está perdido.... Y lo sabes.
Si hay un disco de Lou Reed al que siempre vuelvo da igual la época del año ese es sin duda New York, mi favorito de su discografía. Las letras de este álbum son pequeñas historias de las que no te cansas jamás. De tan buenas que son podrías incluso leerlas sin escuchar el álbum pero es que encima musicalmente la rodaja es de las más inspiradas en la discografía de Lou. Hoy le rindo pleitesía con esta maravillosa Halloween Parade, una auténtica gozada en la que me pirran hasta el infinito y más allá los coros de Dion DiMucci y Jeffrey Lesser en la parte final de la canción. El tema es un homenaje a la comunidad gay y a esa época chunga en la que cayeron tantas personas víctimas del SIDA. Reed se sirve del Desfile de Halloween de Greenwich Village para describir una variopinta y curiosa fauna de personajes. Una muestra más de la maestría de Lou para armar letras poderosas en el marco de una canción de menos de cuatro minutos.
Noche y día. Cielo e infierno. Agua y Fuego. Ying y Yang. Doberman y caniche. PP y Psoe ( no, no, que eso es casi lo mismo, juas). Pocas veces, por no escribir nunca he asistido a un concierto con dos partes tan diferenciadas. Y es que ayer Sananda y su banda salieron al escenario a eso de las 19.40 y tras cincuenta desconcertantes minutos, el baterista anunció que había un descanso de quince minutos. La vibra no era buena. Se veía a un músico cansado, con algunos problemas vocales, el sonido no era muy allá y el repertorio era decepcionante. Reconozco que no había leído nada sobre el bolo. Desconocía el setlist y en qué forma estaba Sananda. El contraste entre su material antiguo y el actual era doloroso. En esa primera parte solo disfrutamos de Delicate y I'll Never Turn My Back On You. No logre conectar con el resto del material. Sospecho que no estaba sólo en esa sensación.
En el hiato comentamos la jugada. Diego cree que va a mejorar, Juanjo se muestra más escéptico y yo navego entre dos aguas... Intuyo que por repertorio el asunto tiene que ir para arriba. No queda otra. Tras el descanso Sananda se sitúa al piano y suena Let Her Down Easy. Hasta ese momento es lo mejor de la noche. El comienzo del tema al piano y la voz de Sananda nos ofrece esperanza. Diego comenta que podría haber afrontado el concierto así: el sólo y el piano. Y pienso lo mismo. Lo cierto es que el bolo coge aire. La voz de Sananda está mejor, conecta con el público más y todo va fluyendo. La banda disfruta de una tanda en la que caen las verdaderas joyas de la carrera de este hombre: Let´s Go Forward, O Divina, Sign Your Name, Wishing Well, Supermodel... El contraste con lo anterior es curioso e impactante. Por todo. Repertorio, interpretación, comunicación. Las sonrisas aparecen en nuestro rostro. Estamos contentos. Y el resto del público también.
Mis momentos favoritos llegan con los tres temas que interpreta de Vibrator, la que le da título, una sorprendente We Don't Have That Much Time Together no esperada ni en el mejor de mis sueños, y en la que Sananda se marca un leve pero emotivo bailecito. Y es que amigos, Dance To The Music. No hay nada como la música que te invita al baile y esta canción tiene todo lo que me gusta. Sensibilidad pop, profunidad soul, maravillosos arreglos de viento.... Una locura que disfruto como loco. El final no por esperado deja de ser deseado a más no poder porque Holding On To You es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos. La interpretación vocal de Sananda es ajustada y emotiva. No puede ser como el 27 de julio de 1995 en el Shepherd's Bush Empire de Londres porque eso es imposible pero es muy emotiva y nos deja con un regusto invencible. Vemos la luz. Gloria Bendita.
Si Ty Segall edita disco el menda lo va a escuchar antes o después. Seguirle la pista a este oriundo de Laguna Beach, California es harto complicado pues es uno de los músicos más prolíficos de su generación. Siempre le están rondando nuevas ideas y las plasma a menudo en el estudio de grabación. No siempre he conectado con su propuesta pero cuando lo he hecho el goce ha sido infinito. De su alargada ristra de rodajas mis favoritas son dos que tengo en un pedestal; Freedom´s Globlin (2018) y su anterior Possession (2025). Dos discos perfectos a los que no les sobra ni un tema. A muy buen nivel están también Manipulator (2014) y Ty Segall (2017). Su último álbum editado a finales de agosto, Chrome está camino de subir el primer escalafón. Cada vez que lo escucho me gusta un poco más y es bastante diferente a Possession donde se imponía con holgura el toque más pop melódico arrebatadoramente inspirado.
Chrome es un torbellino sonoro deudor de la vertiente más rockera de Segall, eso si acompañada de jugosos y diferenciadores insertos melódicos configurando un disco que se escucha del tirón en gozoso frenesí. Es imposible no dejarse arrastrar por esa demoledora Hospital que abre el álbum de forma vertiginosa. Los ingredientes de siempre funcionan a la perfección. Esos pequeños y certeros solos de guitarra, el fuzz campando a sus anchas y un bajo atronador que se antoja el eje sobre el que pivota todo. Hay partes de canción en el que el espíritu de Neil Young está más presente que nunca. Locura del minuto tres en adelante. El riff inicial de Running To Nowhere parece sabbatiano y la interpretación vocal de Segall vacilona y cachonda hasta que en el segundo cincuenta el tema vira un poco hacia otros derroteros de forma brillante para volver a la senda más heavy poco después. Temarral. Al lorete con Mikal Cronin y su poderío al bajo.
Black Paint son dos minutos la mar de bien aprovechados. Me la imagino dando inicio a uno de sus conciertos y gozando con el solo guitarrero del final y si la enganchan con Glass mejor que mejor. Otra canción que no me puedo quitar de la cabeza que alcanza altas cotas instrumentales gracias a la pericia de Cronin al bajo, la colosal labor de Evan Burrows a la batería y las guitarras de Segall y Kelly fluyendo sin acaparar todo el protagonismo. El desaforado final de Glass contrasta con el clasicismo de Play Cowboys, otra canción sencilla, directa que no debería faltar en los shows de este hombre. Tal vez la única que hubiese podido encajar en su anterior disco. Volvemos a las andadas con Everything You´ve Been otra de las más cortas del álbum y que no tiene nada de desperdicio. A fuego con ella. Let Go se inicia de forma extraña. No se que es lo que suena si es un piano distorsionado o una guitarra pero capta tu atención y hace que te dejes llevar por otra canción vacilona. Separation parece un divertimento que teja en manos de la canción que da título al disco, una Chrome que reúne las mejores virtudes de Ty Segall y su banda. En vena.
Chrome es uno de los trabajos de Segall más colaborativos, la presencia de la banda tanto en la composición como en la ejecución es fundamental. La convivencia entre los tonos rugosos y ásperos y la vertiente melódica es un patrón sonoro en el que Segall y su banda se desenvuelven a la mil maravillas. Es un disco sin relleno, con mucho que rascar. Algo más de media hora perfectamente aprovechada. Sin duda merece la pena seguirle la pista a Segall y perderse en un universo musical. Escucho el disco por quinta vez en apenas tres días y me deleito ahora mismo con ese sugerente piano cruzándose con las guitarras en en final de Play Cowboys y la gozo que no veas.
Hace tres semanas tuve el privilegio de visitar Salamanca en la mejor de las compañías posible. Esta ciudad de Castilla y León tiene mucho que ofrecer y saqué mucho partido a mi estancia de tres días. Sin duda volvería. Tenía pendiente un pequeño post sobre uno de los lugares que más me impactó: el Museo Casa Unamuno situada en la calle Libreros número 25. Allí fue donde Miguel de Unamuno vivió en el periodo comprendido entre 1900 y 1914 cuando fue destituido de su cargo de rector. Tras dejar esta residencia se trasladó a la calle Bordadores donde continúo su prolífica obra y su activismo político. En la Primera Guerra Mundial apoyo a los aliados frente a los germanófilos y fue candidato a diputado por el Partido Republicano de Vizcaya.
La figura de Unamuno está indisolublemente unida a Salamanca donde afortunadamente cuidan su legado de forma inmejorable. La visita a la Museo Casa Unamuno es una auténtica gozada. En ello tiene mucho que ver lo interesante que es la vida y obra del escritor nacido en Bilbao. Pero este aspecto hay que añadir la excelente labor que realizan quienes se encargan de realizar las visitas guiadas. No sé si siempre será la misma persona, pero el día que fuimos Su y yo esa labor correspondió a Jorge que nos guío con entusiasmo y una pasión contagiosa a más no poder por la estancia en la que en su día vivió Miguel de Unamuno. La casa situada en una ubicación privilegiada es un lugar encantador, coqueto y caminar por ella con las explicaciones y los certeros apuntes de Jorge es una experiencia que hay que vivir al menos una vez en la vida.
Mi aita me ha hablado a menudo de tres escritores: Vicente Blasco Ibañez, Miguel Delibres y Miguel de Unamuno. De este último con diferencia del que más. Conocía muchos títulos de sus novelas y ensayos porque están en la biblioteca familiar. Curiosamente he leído obras de los dos primeros pero nunca de Unamuno. Tenía ciertas reticencias de índole ideológico. La habitual estrechez de miras y más creciendo en el Gran Bilbao donde a menudo su figura ha sido un tanto maltratada. Desconocía muchos datos sobre su pensamiento político, filosófico y humanista y creo que eso ha jugado en mi favor. Vivimos tiempos de sobreinformación o más bien desinformación y recibir una formación de un experto en la figura de Unamuno de primera mano no ha hecho sino acrecentar mi curiosidad sobre su vida y obra. Alejado de dogmatismos y brasas digitales.
Hoy se cumplen noventa años del mítico enfrentamiento entre Miguel de Unamuno y Millán Astray en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca. Durante años he escuchado en boca de mi aita la frase que se le atribuye a Unamuno: Venceréis pero no convenceréis. Sobre este día hay muchas referencias, infinidad de artículos y diversidad de opiniones, tantas como sobre la propia vida y pensamiento del autor salmantino. Lo que es evidente es que la vida del escritor vasco cambió por completo tras ese 12 de octubre y su final está no exento de polémica tal y como recoge el documental Palabras para un fin del mundo que encarecidamente nos recomendó Jorge.
